(Vladimir V. Majakovskij)

(Piero Calamandrei)

Per chi volesse un primo assaggio del disco dei Werner, qui si trovano tre tracce dell’album più una traccia non inclusa, una cover di Hey Joe di Daniel Johnstone. Qui invece, ancora per qualche giorno, è possibile ascoltare uno streaming integrale del disco dei Werner. Buon ascolto!

Scegliere uno pseudonimo come

(Carlo Venturini)

Per approfondire, potete trovare qui lo streaming del disco de Il Cristo Fluorescente, e qui la possibilità di scaricarlo insieme col precedente album Brave New World. Buon ascolto!

“Nostalgia! Ho nostalgia perfino di ciò che non è stato niente per me, per l’angoscia della fuga del tempo e la malattia del mistero della vita. Volti che vedevo abitualmente nelle mie strade abituali: se non li vedo più mi rattristo; eppure non mi sono stati niente, se non il simbolo di tutta la vita. Domani anch’io scomparirò. Il vecchio anonimo dalle ghette sporche che mi incrociava quasi sempre alle nove e mezzo del mattino? Il venditore zoppo dei biglietti della lotteria che mi seccava senza successo? Il vecchietto tondo e rubizzo, col sigaro in bocca, che sostava sulla porta della tabaccheria? Il pallido tabaccaio? Cosa ne sarà di tutti costoro che, solo per averli sempre visti, hanno fatto parte della mia vita? Domani anch’io scomparirò da Rua da Prata, da Rua dos Douradores, da Rua dos Fanqueiros. Domani anch’io – l’anima che sente e pensa, l’universo che io sono per me stesso – sì, domani anch’io sarò soltanto uno che ha smesso di passare in queste strade, uno che altri evocheranno vagamente con un “che ne sarà stato di lui?”. E tutto quanto ora faccio, quanto ora sento e vivo non sarà niente di più che un passante in meno nella quotidianità delle strade di una città qualsiasi.”

(F. Pessoa, “Il libro dell’inquietudine”)

A volte mi capita di pormi una domanda che, me ne rendo conto, ai più può apparire naif o comunque poco interessante, ma che invece è capace di darmi da pensare per parecchio tempo: che ne è stato della Poesia? Perché questo nostro mondo, l’aveva già capito Pasolini, è affetto da una terribile assenza di Poesia, è affamato di Parole, Suoni, Immagini che non siano quelle consuete, televisive, anestetizzate, vuote: questo nostro mondo, il nostro tempo, ha terribilmente bisogno della sua poesia, e di un suo linguaggio, anche se qua e là sembra non rendersene conto. È abbastanza bizzarro che, alla parola Poesia, l’uomo medio (noi tutti, ammettiamolo) voli col pensiero a qualche rima petrarchesca imparata ai tempi del liceo o, più spesso, allo sciabordare delle lavandare di pascoliana memoria, come ci fossimo tutti convinti del fatto che la Poesia esista tra i banchi di scuola, incartata e impacchettata dentro austeri libri coperti di polvere abbandonati su qualche scaffale; il rischio non è tanto il convincersi di questo, quanto evidentemente il rassegnarsi a questa convinzione. Perché la Poesia esiste ancora, è viva, il gusto della Parola non è estinto, la volontà di generare significato laddove non ci si attenderebbe di trovar più niente non si è spenta: è un fuoco molto flebile ma tutt’altro che domato, perché è necessario, è una delle cose che forse più di ogni altra ci identificano come esseri umani, dal momento che ci piace tanto considerarci superiori al resto della fauna (e della flora) che vivifica questo sassolino sperduto nell’universo. La Fine del Mondo, ma forse a questo punto lo avrete già capito, non è semplicemente un qualcosa di raggiunto e attestato, una semplice constatazione: è un punto di partenza e non di arrivo, è da questa constatazione che diventa possibile muovere attraverso il deserto di nietzscheana memoria, per così dire. Certo, è anche una band: Simone Molinaroli, poeta e performer pistoiese; Alessio Chiappelli, già voce e chitarra dei S.U.S.; Simone Naviragni al basso e Matteo Parlanti alla batteria, ad occuparsi della sezione ritmica, e infine Valentina Innocenti, danzatrice che accompagna questo combo nelle esibizioni dal vivo. Una band, quindi, un’idea e da oggi quattro tracce, un EP intitolato Siamo Nati Lontano. Ai più attenti tra voi non sarà sfuggito che già un paio d’anni fa, su queste pagine, avevamo avuto l’onore di consigliarvi un lavoro a nome dei S.U.S. e di Simone Molinaroli, La Conseguenza di Tutto EP (qui trovate uno streaming dei cinque brani di quel cd): cambiano i protagonisti, almeno per metà, ma non la sostanza. Così come La Conseguenza di Tutto rivelava un’urgenza fuori dal comune, questo Siamo Nati Lontano, fin dalla copertina, riprende il discorso da dove era stato lasciato, approfondendolo e spingendolo a definitiva maturazione, squarciando il velo e marciando verso una luce accecante che sembra indicare proprio un nuovo inizio: la prima cosa che salta all’orecchio dell’ascoltatore è il suono, estremamente più curato che in passato, nel quale si riconosce la mano di Gioele Valenti (forse più noto nella scena alternativa nostrana come HERSELF) al mix, e che si arricchisce di una carica che potremmo definire, semplicemente, “post-“, col rischio di incorrere in un paradosso che, nel mondo dell’Arte, ha inghiottito il senso da trent’anni a questa parte; che significa questo prefisso, “post-“? Il suono de La Fine Del Mondo assomiglia al boato sordo che segue una colossale implosione: come recitano i versi stessi di Molinaroli “Il mondo è Morto, non senti l’odore?”, tutto è già accaduto, tutto è già successo senza frastuono, nel silenzio più sordo e condiscendente: che ne è stato di noi, in tutto questo? Esiste ancora il miracolo dell’Altro? Che ne è dell’Uomo? Chitarra, tremolo e violino introducono a Forse un giorno, brano d’apertura del lavoro (che trovate in free download dal bandcamp della band in fondo a questo articolo), giocato sull’alternanza di pieno e vuoto, ambiente musicale su cui cresce la poesia di Molinaroli; alcune storture elettroniche cesellano le ritmiche cadenzate lungo questo quattro minuti e mezzo che preludono, in un finale in crescendo, allo shuffle dal vago sapore di bossa nova di Illuminazione Nr.1, lacerato dai fiati, malinconico e spezzato a metà da improvvise esplosioni rumoriste. Il terzo episodio del lavoro, Siamo Nati Lontano, è una vecchia conoscenza dei nostri affezionati lettori, che già avevano incontrato questo brano nel precedente La Conseguenza di Tutto: ma sono passati un paio d’anni e oggi il brano si giova di una struttura e di un lavoro di cesello che lo rendono decisamente il fratello maggiore del pezzo apprezzato in passato. Chitarra, basso e batteria mimano la forza quieta delle onde del mare, o il suo ricordo intrappolato nelle valve di una conchiglia accostata all’orecchio; riverberi distanti come distante è il luogo che evocano, un’elegante ballata completata da una delle poesie più belle che mi sia capitato di leggere negli ultimi anni, parole che a loro volta cullano e stordiscono fino alla conclusione, ancora una volta rumorista, in cui si spegne ogni suono, lentamente e inevitabilmente. Tutti Siamo Morti chiude il lavoro con ritmiche diseguali, divagazioni free sporcate ancora dal rumore, prima di un crescendo minaccioso che riporta alla Parola, al già compiuto: Siamo morti tutti, come negarlo,/ in quelle ore che sono luoghi non mappati/ di cui gli orologi non portano Il Segno./ Siamo morti tutti, come negarlo./ E come negare lo spietato dominio/ dell’ambizione alla rovina,/ come negare/di ciò che “non può essere detto”. Il brano si spegne negli echi e nei riverberi, con un loop che sembra alludere a quella sensazione che chiunque si sia guardato attorno nella propria esistenza deve aver conosciuto almeno una volta. Dunque, mi si potrà domandare, questo EP, queste quattro tracce, pongono fine alla fame di Poesia che a volte nemmeno ci rendiamo conto di avere? Certo che no, perché il loro vero obiettivo non è questo: la ragione di questo impegno è spingere a domandare, dal momento che, se è vero che le risposte invecchiano, le domande, quando ben poste, restano sempre attuali. Non ci si può avvicinare ad un’opera come questa con lo stesso spirito con cui si consumerebbe un cd di musichette indie, o un album di semplice musica leggera; La Fine Del Mondo non è solo questo, non è l’antidoto al dolore delle masse blandito sotto forma di mp3 o snocciolato come la parola dell’ultimo Messia ubriaco salito su un palco: di capipopolo ne abbiamo già troppi, tre quarti dei quali continuano a parlare proprio e soltanto in virtù del fatto di non aver niente da dire. La Fine Del Mondo non è il sottofondo conciliante del vostro bisogno di sentirvi riflessivi, una volta ogni tanto, o impegnati; La Fine Del Mondo è quello che succede quando all’urgenza della Parola si mescolano il piacere del Suono e la reale necessità dell’Altro, per generare il rumore che fa la vita abbandonata a spegnersi nell’indifferenza generale. Tutte queste parole forse servono solo a confondervi le idee, me ne rendo conto; ma in ultima istanza quello che vorrei riuscire a dire è che queste quattro tracce hanno il potere di spalancare tutto un mondo, un non-detto che abbiamo consapevolmente scelto di lasciare dietro le nostre spalle, aprendo la vista ad un’altra prospettiva, andando a cercare la parola che possa racchiudere qualcosa del significato umano di ciò che ci accade, e che sia una parola nuova, viva, mai ascoltata, reale e soprattutto nostra, anche se magari ancora non ce ne rendiamo conto. Perché in definitiva è questo che fa la vera Arte, sia essa letteratura, pittura, musica o cinema: fornisce nuovi punti di vista, nuove posizioni da cui guardare le cose, mescolando politica, filosofia, linguaggio, suono e tutto quello che volete allo scopo di disvelare qualcosa. Che esista o meno una Verità, giova ricordare come gli antichi greci si riferissero ad essa attraverso una parola che letteralmente significa “non nascosto”. Siamo consapevoli di come questo Siamo Nati Lontano possa costituire, per molti, un ascolto complesso: ma è pur vero che questa è la sua essenza, e che richiede ben altro che due orecchie e un lettore mp3 per essere apprezzato. Richiede il vostro tempo, il vostro cuore e il vostro cervello; richiede la vostra buona disposizione. Richiede disciplina, perché tutto ciò che conduce in qualche luogo comporta uno sforzo di adattamento. Richiede impegno. Ma premia con il ritrovato gusto della Parola, e con un linguaggio che ritorna ad essere il linguaggio del qui e ora, il nostro linguaggio, la nostra Parola. L’ascolto di queste quattro tracce premia spingendoci a recuperare qualcosa della nostra umanità che forse nemmeno ci rendevamo conto di aver smarrito, che semplicemente avevamo nascosto, ma che c’è ancora: l’appetito per la domanda, il gusto del dialogo, la necessità del confronto, il bisogno di non essere soli. Qualcosa che, a tutti gli effetti, ha sempre fatto parte della nostra natura, e che non possiamo in alcun modo permetterci di gettare al vento. È per questo che vi consiglio di ascoltare questo EP, perché vi costringerà a pensare, perché è bene essere consapevoli, come scriveva il buon vecchio David Foster Wallace ormai troppi anni fa, che “la Verità ti renderà libero. Ma solo quando avrà finito con te”. Cose che non tutti ti dicono ma che fa bene non dimenticare mai, nell’attesa che la bellezza, come promesso, salvi il mondo, o che almeno ci avvii verso la felicità, per dirla con Stendhal.

Siamo Nati Lontano EP nasce dalla collaborazione di Ass Cult Press e Salmone Rec., neonata etichetta indipendente; maggiori informazioni si possono reperire visitando il sito web di Simone Molinaroli, la pagina ufficiale del progetto su Facebook o ancora qui. Ah, e qui  trovate i testi di Molinaroli per questo EP. Buona lettura e buon ascolto… e soprattutto, adesso scaricatevi gratuitamente “Forse Un Giorno”!

Appunto tecnico- Da oggi riprendiamo il discorso della promozione, tramite le nostre brevi recensioni, della miglior musica emergente italiana. Causa disguidi tecnici, per adesso l’unico modo di reperire le vecchie recensioni già pubblicate da me e dal mio valido collega Carlo Venturini è quello di far riferimento alla colonna sinistra, nella sezione intitolata “Per mettere un po’ d’ordine”: sotto la dicitura “Tesori Nascosti” troverete tutti i vecchi post. Pazientate, per adesso: di meglio non si può fare. Grazie a tutti, e buona lettura!

Che cosa abbiamo in comune col bocciuolo di rosa, che trema perché su di esso si è posata una goccia di rugiada? È vero: noi amiamo la vita non perché siamo abituati alla vita ma perché siamo abituati all’amore. C’è sempre un po’ di follia nell’amore. Ma c’è anche sempre un po’ di ragione nella follia.
(F.W. Nietzsche, Così Parlò Zarathustra)

L’anno scorso è tornato anche Lars Von Trier, a due anni dal suo Antichrist, con questo Melancholia, accompagnato, tanto per cambiare, dalle solite, infinite (e francamente pretestuose e tediose) polemiche innescate dalla stampa e allegramente (o incoscientemente?) cavalcate dallo stesso regista danese (le parole Cannes 2011 dovrebbero farvi accendere qualche lampadina). Tuttavia è assolutamente fuori luogo perdere tempo in chiacchiere sterili quando davanti ai tuoi occhi, per circa due ore e mezza, va in scena del Cinema con la maiuscola, come capita ormai sempre più di rado. Melancholia è un’opera figlia dello stesso stato d’animo devastato che ha partorito la discesa agli inferi di Antichrist, ma attraverso la messa in scena delle dinamiche interne di una famiglia borghese (e in particolar modo del rapporto tra le due sorelle protagoniste del film) sullo sfondo di una fantascientifica apocalisse planetaria, il regista tenta di recuperare un senso dell’umano che il film precedente spazzava via lontano nell’annichilente e pervasiva convinzione del Male insito dentro ciascuno di noi. Esemplare fin da subito la sequenza del breve prologo sulle note wagneriane di Tristano e Isotta, nel quale si dipingono come veri e propri quadri (che saranno ripresi in una sequenza successiva, e numerose sono le citazioni di opere d’arte ben note dalla pittura al cinema, dai preraffaelliti a Tarkovskij) gli ultimi istanti dei protagonisti della vicenda prima del colossale scontro interplanetario che porrà fine alla vita come la conosciamo, il film si articola in due grandi parti, che prendono il nome dalla due sorella protagoniste dell’opera: Justine e Claire. Nella prima parte va in scena il fallito tentativo di organizzare il matrimonio di Justine (Kirsten Dunst), portato avanti dalla sorella Claire (Charlotte Gainsbourg) e dal di lei marito John (Kiefer Sutherland), tentativo frustrato dal progressivo incedere di una qualche misteriosa malattia che sembra minare la più giovane delle due sorelle; nella seconda parte si raccontano invece gli ultimi giorni prima del terribile scontro tra la Terra e il pianeta Melancholia, destinato a spazzare via la vita dal nostro pianeta. Dopo che il prologo ha lasciato intuire quale sarà la conclusione della vicenda, fin dalle prime immagini, nervose e riprese con camera a mano, della prima parte del film, si comincia ad avvertire un disagio che, in un wagneriano crescendo, porterà lo spettatore a seguire empaticamente il tracollo psicologico ed emotivo di Justine: il matrimonio organizzatole con schiacciante cura dei particolari dalla sorella e dal cognato si rivela (o tale viene avvertito dalla sposa, e progressivamente dallo spettatore) come una geniale trappola nella quale tentare di “imprigionare” la sua natura volubile, folle e incontrollabile. Nonostante tutta la buona volontà dei familiari, eccezion fatta per padre (John Hurt) e madre (Charlotte Rampling) che non riescono a smettere di battibeccare nemmeno in un’occasione che dovrebbe essere gioiosa, e dello sposo Michael (Alexander Skarsgård), Justine passa da un’iniziale condizione di quasi- felicità ad un tracollo che la conduce ad un passo da una strana depressione “fulminante”: si assenta ripetutamente durante la cerimonia, tradisce il marito sul campo da golf della villa del cognato, dove è stata organizzata la festa, con un fresco collega di lavoro che le sta addosso tutta la sera per carpirle uno slogan per una non meglio specificata campagna pubblicitaria (Justine è una copyrighter), litiga con il datore di lavoro fino a dare le dimissioni, tenta disperatamente di farsi ascoltare dai genitori e infine, a cerimonia fallita, riesce a far imbestialire anche la sorella. Forse la chiave di questo progressivo sfacelo è da cercare nella prima cosa che Justine vede appena arrivata alla villa del cognato: una misteriosa, enorme stella rossa che si trova proprio dove dovrebbe essere Antares, e che attira subito la sua attenzione, come fosse un elemento fuori posto (uno dei tanti segnali disseminati lungo il film, a partire dalla limousine che, nelle prime scene, si incastra lungo lo strettissimo vialetto che conduce al luogo dei festeggiamenti) in grado di incrinare impercettibilmente ma in modo inesorabile l’intero quadro di ordine e regolarità disegnato da Claire per il matrimonio della sorella. In questa prima parte dell’opera Claire tenta di ingabbiare Justine dentro un’insieme preciso di avvenimenti, strutturando la sua festa di nozze di modo da non lasciare alcuno spazio all’improvvisazione: ma, come se stesse tentando di frenare un fiume in piena, alla fine le deboli dighe delle formalità e della buona educazione cedono, e Justine straripa confondendo tutti i colori sulla tavolozza. Per contrasto questo “straripamento” di Justine che si rivela per quello che è, una natura capricciosa e intrattabile, provoca una prima vertigine anche alla sorella che al termine di questa prima parte, dopo che la festa è fallita e con essa l’intero matrimonio (Michael lascia la novella sposa il mattino seguente alla cerimonia), si lascia andare ad un’ammissione di odio per la sorella, odio in larga parte scaturito dal rifiuto di Justine di conformarsi all’obbedienza ad una serie di dettami che, soli, sembrano in grado di garantire la pacifica convivenza tra gli esseri umani (molte volte Claire e John ricordano allo spettatore tramite i vari dialoghi quanto grande sia ciò che stanno facendo per la sorella, e quindi per contro quanto meschina sia la reazione di Justine ai loro tentativi di migliorare la sua esistenza).
La seconda parte dell’opera si apre con Claire e il marito che accolgono a casa proprio Justine, qualche tempo dopo le nozze fallite. Justine è scivolata in una spirale di depressione apparentemente inarrestabile dal momento della cerimonia, sempre in quella stessa villa dove si svolge l’intera azione, e quando ritorna a casa della sorella e del cognato riesce a malapena a camminare portata a spalle e non proferisce parola, come fosse incapace di compiere alcun gesto, come se ogni gesto fosse inutile. Nel frattempo i terrestri hanno scoperto che quella luce lontana nel cielo è in realtà un pianeta, ribattezzato Melancholia, che seguendo un’orbita a dir poco eccentrica dovrebbe effettuare un passaggio ravvicinato attorno alla Terra di lì a pochi giorni: nonostante le parole degli scienziati e i tentativi di rassicurazione di John, che coglie l’occasione per rinsaldare il rapporto col loro figlio, Claire è terrorizzata dalla possibilità che i calcoli siano sbagliati e i due pianeti siano destinati ad entrare in rotta di collisione. La narrazione in questa seconda parte si concentra sul lento recupero di Justine, dallo stato di semi-incoscienza iniziale all’accettazione finale, e sul progressivo, contrastante abbandono della propria orbita stabile da parte della sorella, che svela tutte le proprie fragilità lasciandosi lentamente infettare da quella stessa strisciante malattia che pareva aver colpito la sorella durante la prima metà del film. Il pianeta Melancholia non fa che mettere a nudo, con la sua presenza inattesa nel cielo che abbiamo tutti imparato a conoscere, le paure di Claire, mostrandocela fragile come non sembrava quando, perfetta padrona di casa, tentava di amministrare e organizzare come un’equazione il matrimonio della riottosa sorella; e nel contempo sembra svelarsi come la ragione del lungo silenzio e del tracollo di Justine, come se in una visione ella avesse visto il destino di morte dell’umanità e avesse deciso di non opporvi nient’altro che muta rassegnazione: l’incontro surreale dei due pianeti costringe l’uomo a fare i conti con la morte, il dolore, la fine, la solitudine, l’abbandono, tutti quei sentimenti che Claire cercava di nascondere sotto il tappeto con una cerimonia che avrebbe dovuto essere un inno alla gioia e col continuo, ripetuto domandare “sei felice?” da parte dei convitati ad una sempre più sconvolta Justine. Ma l’anello di congiunzione tra le due sorelle, che impedisce la frattura anche quando il destino della Terra è segnato e il marito di Claire si toglie vigliaccamente la vita per la vergogna (e presumibilmente la paura) legata all’aver sbagliato tutti i calcoli, quando non c’è più fuga possibile, è il figlio di Claire, Leo, sul quale Justine ha un netto ascendente fin dall’inizio della vicenda (la chiama sempre e solo “Zietta spezza-acciaio”, a far riferimento alla di lei forza morale) e alla quale il bambino si rivolge per trovare un rifugio all’apocalisse quando ormai non c’è più scampo. È qui che Melancholia si distacca fortemente e volutamente da Antichrist, oltreché nel perfetto e quasi algido rigore col quale è realizzato, lontano anni luce dalla paratassi angosciante che ricostruiva per singulti le vicende dell’uomo e della donna nella precedente opera di Von Trier: nell’opporre al devastante calore di due atmosfere che si compenetrano annunciando l’apocalisse il flebile calore dell’animo umano, degli affetti, la comunione delle paure, come se una grande paura divisa per tre non fosse più una grande paura me tre paure un po’ meno spaventose. Leo, con l’aiuto di Justine, costruisce la “Caverna Magica” della quale parlava sempre con la zia, vero fulcro della narrazione e l’unica cosa che potrà difenderli dall’impatto di Melancholia: il fragile scheletro di una capanna, una decina di legnetti ammonticchiati sotto i quali restare seduti in attesa dell’inevitabile, opponendo la creazione alla distruzione. Sarebbe stato terribile attendere la fine di tutto in terrazza sorseggiando vino, come suggerito da Claire all’apice del terrore, come passeggeri di un Titanic che affonda senza orchestra tradito proprio da ciò in cui più crede, la scienza, i numeri, i calcoli. Le proprie certezze. È uno strumento rozzo, costruito da Leo con un legnetto e un fil di ferro, che serve a capire se Melancholia si stia allontanando o avvicinando, e che preannuncia la catastrofe: uno strumento caldo che deve essere appoggiato al torace, sul cuore, per funzionare. È l’Arte che sembra costruire una diga tramite la quale proteggere l’Uomo dal Niente che avanza, dall’annientamento  fisico (nel film) e da quello ideologico (nella realtà delle nostre società schiavizzate dai numeri, dalla competitività, dall’economia, dalla tecnologia e incapaci a ritrovare un valore delle cose che vada oltre il loro prezzo); è l’Arte, il lavoro dell’ingegno che ti parla se lo accosti al cuore, e non la scienza o la tecnologia, a permettere a Leo e al padre di rendersi conto, attraverso quel rozzo strumento, di cosa stia realmente per accadere. Così lo scontro dei mondi, che è anche lo scontro tra le due anime dell’uomo incarnate dalle figure di Justine e Claire, quella vitalistica e incontrollabile e quella che tenta di nascondere l’oscuro e il maligno nell’ordine, nel rigore, nella disciplina di sé e nel controllo degli altri, diventa allegoria trasfigurata e potente di un’umanità che, come in Antichrist, è lacerata e piena zeppa di lati oscuri e inconfessabili, di paure vigliacche, di cieco disinteresse per tutto ciò che esula dall’io di ciascuno di noi, ma che può ancora trovare qualcosa di sacro semplicemente nell’amore che unisce le due sorelle e il bambino, un flebile fuoco che certo non potrà rivaleggiare con la catastrofe portata da Melancholia, ma che potrebbe essere sufficiente a riscaldare per l’arco di una vita intera.

Walking the cow: un nome che rimanda direttamente a Daniel Johnston, con tutta la malinconica lunaticità della sua bizzarra idea musica, nume tutelare che non manca di proiettare la sua ombra su questo intero primo lp della band fiorentina, composta da Michelle Davis, Paolo Moretti, Bardus, Nico Volvox e Martino Lega, cinque musicisti provenienti dalle più svariate esperienze che si presentano a noi con questo Monsters Are Easy To Draw, in uscita domani per White Birch Records (che ha già prodotto e distribuito i My Violent Ego con One Day You’ll Laugh At The Sad Saga That Was e i Ka Mate Ka Ora col recente Horst Tappert EP, del quale avete letto il mese scorso anche su queste pagine). Lavoro evocativo fin dall’artwork, e dalle prime note: Summer Dress accompagna ad una solida sezione ritmica una linea melodica che si stampa nella mente per restarci, mettendo in luce una delle caratteristiche che più determinano il suono della band e l’ambiente musicale creato da questo Monsters Are Easy To Draw, cioè una coinvolgente ed elegante ricchezza timbrica, garantita dall’uso di una strumentazione estremamente ampia e particolare. In questo primo brano si respira un’atmosfera quasi bucolica, che sfocia nel suddetto ritornello trascinante: una scheggia di pop sghembo, affascinante quanto complessa nel suo arrangiamento e nella sua struttura, perché una delle grandi abilità dei Walking The Cow sembra essere proprio quella di far apparire semplice ciò che semplice non è affatto. A seguire, Ducks & Drakes conferma queste prime impressioni, rallentando un po’ il tempo: su una tessitura musicale molto ben tornita si adagiano, ancora una volta, linee melodiche vocali molto azzeccate per quello che probabilmente rappresenta uno dei momenti migliori dell’album, nel quale le chitarre si intrecciano agli arpeggi che attraversano l’intero brano duettando coi crescendo della batteria; River P. si apre con un intreccio di arpeggi che sarà presto dominato da un suono di organo, e che rivela un qualche debito con la world music, se non altro nella scelta strumentale. Rorschach hands comincia come il classico pezzo folk per chitarra, basso, batteria e un pizzico d’organo per disperdersi poi nel ritornello e principalmente nelle sezioni strumentali in divagazioni cinematografiche, quasi fosse un’ideale soundtrack per un road movie ambientato nel deserto. Movin’ Things si appoggia su scelte ritmiche inconsuete, e cresce con incedere zoppicante fino ad un ritornello di grande dolcezza per chiudersi su una sezione strumentale ovattata, avvolta nei riverberi, nella quale una chitarrina sgangherata drappeggia note sparse delle tastiere e rullate della batteria. La titletrack Monsters Are Easy To Draw inizia con qualcosa di ambient, ma alle note delle tastiere si aggiungono pochi sparsi ricami di chitarra e infine una batteria sincopata: alla voce troviamo Paolo Moretti, che dà il cambio alla fin qui inappuntabile Michelle Davis, autrice anche di tutti i testi eccezion fatta per quello di questo brano e della successiva Sweetheart, opera appunto di Moretti, che non a casa si cala alla perfezione nell’interpretazione vocale di questo brano dall’andamento diseguale. Con Jesus (Buy Some Porn) si apre idealmente la seconda parte del lavoro, e sembra di ritornare alle atmosfere dell’iniziale Summer Dress: intrecci di linee vocali si sovrappongono ad un lieve arpeggio di chitarra che va crescendo in intensità e convinzione col passare dei secondi per lasciare spazio ad un’inattesa sezione dalla ritmica sincopata ed elettronica, con ululati dei synth che sembrano usciti da un film di fantascienza degli anni ’50, un autentico loop dal sapore folktronico-futuribile. L’intermezzo che, a questo punto, non ti aspetti. Barry inizia lenta sul piano e lo sciabordare dei piatti, e si lascia dominare dalla voce per sgorgare, con l’ingresso delle chitarre e dei bassi, in un momento di grande emozione che sfocia a sua volta in una struttura musicale che ha molto degli anni ‘60 e del folk di autori come Neil Diamond. Nightknocking si fa forte ancora delle doti vocali di Michelle Davis, che duetta con Paolo Moretti su un tappeto sonoro discontinuo e ricco di invenzioni timbriche le quali, oltre a fare da semplici coloriture, stabiliscono un autentico mood dell’ambiente sonoro tratteggiato nel brano; Grandchildren Are Weird inizia lenta e sfilacciata, ma tutte le linee vengono ad annodarsi con l’ingresso della batteria, su cui imperversa ancora la voce di Moretti: a momenti di pieno si alternano magistralmente momenti di vuoto, sui quali ricama la voce femminile, contraltare ai bassi profondi e alla chitarra distorta dal tremolo, solo per tornare al pieno musicale sul quale la voce maschile, sempre più distorta e stratificata, completa un ottimo duetto. Chiude il disco Sweetheart, che parte avvolta in riverberi cattedratici, pulsante come un magma lento e inesorabile dal quale a poco a poco emergono note di chitarra e melodie vocali di chiara matrice folk, che si incarnano in uno slow tempo malinconico indirizzato dalla voce di Moretti verso un finale in crescendo. La bolla di magma si rompe e la musica dei Walking The Cow rientra nella “noce” dalla quale era uscita solo undici brani prima: non scelgo la noce a caso, ma a ragion veduta. Com’è possibile, infatti, compendiare questi minuti di musica in una definizione? Sembra appunto di osservare una noce, un oggetto a prima vista semplice, quotidiano, ma solcato da una grande quantità di rughe che, a distanza di sicurezza, non sarà mai possibile tratteggiare con precisione. Questo quintetto fiorentino si rivela principalmente un gruppo di ottimi musicisti, in grado di maneggiare con sicurezza e inventiva i linguaggi musicali più disparati oltre che,  banalmente, i propri strumenti: eppure, senza abbandonarsi al flusso della musica, il rischio è quello di trovare l’operazione iniziata con questo Monsters Are Easy To Draw più semplicistica di quanto in realtà essa non sia. L’aspetto pop della confezione, l’abbacinante gusto per la melodia, l’eleganza delle scelte timbriche non devono lasciar pensare ad un’opera di facile consumo: dietro la dolcezza apparentemente innocua dei drappeggi imbastiti dai musicisti, infatti, si nasconde la raffinatezza di scelte musicali a volte simpaticamente strampalate, altre volte decisamente controcorrente, in realtà mai banali e mai, davvero, innocue. Il miglior modo per nascondere una lacrima, a volte, è mascherarla dietro una sonora risata: in questo Monsters Are Easy To Draw si nasconde molto di più di quello che appare ad un primo ascolto, ed ecco perché, come tante volte mi è capitato di consigliare su questo blog, occorre un ascolto consapevole e serio per approfondire tutti i rivoli lungo cui si disperde l’idea musicale della band. Perché forse i mostri sono facili da disegnare, e tutti magari sapremmo fermare su carta alcuni dei nostri, ma assai più difficile è capirli, carpirne l’essenza, esporla con consequenzialità e sprezzo del pericolo: sia chiaro, è solo musica, ma si farebbe un torto all’ottimo lavoro d’esordio dei Walking The Cow trascurandone la ricchezza dei referenti e derubricando quest’opera al mero, disimpegnato intrattenimento.

Per ascoltare il disco in streaming, ancora per qualche giorno, cliccate qui; la band ha un sito internet ufficiale, dal quale sarà possibile acquistare copia del cd a partire da domani, un MySpace e due pagine Facebook (un gruppo e una fanpage). Per quanto riguarda White Birch Records, maggiori informazioni possono essere reperite qui e qui. Buon ascolto!!

Quando hai alle spalle due album che hanno definito ampiamente gli orizzonti artistici entro i quali ti muovi è sempre dura essere capace di rinnovare te stesso, dare un’altra forma alle tue intuizioni e plasmarle da capo, non semplicemente riadattarle alle circostanze: sicuramente, nello stendere questo Horst Tappert EP, i Ka Mate Ka Ora si saranno trovati ad affrontare questo problema. Dopo due album come Thick As The Summer Stars e Entertainment In Slow Motion, summe cristalline delle ascendenze e delle intenzioni musicali della band, non dev’essere stato facile porsi in animo di trovare un punto di svolta, e raccogliere le forze per far compiere al proprio modo di suonare e alla propria attitudine quel balzo in avanti che la maggior parte del pubblico, educato all’ascolto inoffensivo della Musica (di qualsiasi musica), probabilmente non si sarebbe atteso.
Horst Tappert EP, dunque: cinque tracce, tre versioni alternative di brani pescati dai due precedenti lavori di studio, un inedito, una cover di lusso, scelta nel repertorio sconfinato di una delle maggiori esperienze musicali dello scorso secolo, quella dei Pink Floyd, e un denominatore comune, la volontà di riscrivere le proprie sonorità in una chiave acustica- folk assolutamente non scontata, venata di tentazioni psichedeliche e raffinatezze compositive. Apre le danze Jasmine’s Lullaby, l’inedito, il consueto sound dei KMKO sorretto da un’inconsueta chitarra acustica, accarezzato da strascichi del suono che abbiamo imparato a conoscere nei capitoli precedenti e lungo il quale le asprezze elettriche restano sullo sfondo, come il lontano lucore del primo sgorgare dell’alba, a sporcare elegantemente la tavolozza dei colori. La successiva All Around, già ascoltata in Thick As The Summer Stars, diventa un autentico pezzo folk, nel quale le venature country s’incarnano nello scontro tra slide guitar e una pioggerella sottile di note provenienti da un inatteso mandolino, in un incedere zoppicante e trascinante che prelude alla rilettura soft di Vincent, brano che apriva Entertainment In Slow Motion e che, spogliato di tutto il suo nervosismo elettrico, lascia spazio ad un delicato intreccio di chitarre sul quale cresce la voce, in questo come in altri episodi molto à la Kozelek, nume tutelare nobile e mai nascosto del nostro trio. Draw si apre su un pulsare ininterrotto di basso e poche note sparse di piano, episodio di rottura lungo lo sviluppo omogeneo di questo ep, ma come nella versione originale cui si riferisce (Draw a Straight Line and Follow it, ancora proveniente da Thick As The Summer Stars) capace di disorientare e scuotere: un’ideale ballad rivoltata come un calzino, dove è il basso a portare la distorsione e nel quale la decostruzione musicale dell’originale la fa da padrona, conducendo ad un risultato finale spiazzante e totalmente nuovo. Chiude questo breve lavoro la già citata cover dei Pink Floyd, If, recuperata dal fantastico Atom Heart Mother (1970): un ABC della psichedelia riveduta e corretta in versione elettroacustica, dove ancora una volta sono le coloriture strumentali a creare un ambiente sonoro ricco, stimolante e compiuto, poche note di chitarra filtrata attraverso un tremolo, leggere distorsioni nelle retrovie, ombre su uno sfondo abbacinante, che donano nuova dinamica e tridimensionalità al brano, già indiscutibile nella versione di Waters e soci (e ci mancherebbe!).
Dicevo all’inizio, il coraggio e la capacità razionale di trovare nuove strade, nuovi orizzonti espressivi: tutto questo traspare inequivocabilmente dal quarto d’ora scarso lungo il quale si consumano queste cinque tracce. Lo slow- core che si respirava nei due album precedenti non viene affatto rinnegato, ma i Ka Mate Ka Ora ci insegnano che esistono molti modi di infondere vita alle proprie idee musicali, alcuni dei quali, senz’altro i meno banali, consistono nel rivoltare il proprio consueto modus operandi per cercare di aprirsi una nuova direzione: è stata sicuramente una sfida rileggere pezzi tanto ben definiti e caratterizzati come Vincent o All Around riuscendo a trasformarli al punto da farne emergere un nuovo significato; è stato sicuramente un azzardo sbriciolare la struttura, già di per sé minimalista, di Draw A Straight Line And Follow It, rimescolarne gli ingredienti e trasformarla in una scheggia di suono a metà tra ballad e oscura marcia psichedelica; è certamente difficile affrontare mostri sacri della storia del rock come i Pink Floyd, talmente inscritti nel pantheon della musica popolare da risultare quasi refrattari a qualsiasi tentativo di rilettura che superi la semplice cover; certo, tutto questo deve essere stato difficile. Ma riuscire in un tentativo del genere, crearsi la possibilità e i presupposti per un nuovo inizio, distingue probabilmente una band che ha qualcosa da dire da centinaia di altre che ripetono a menadito lo stesso stereotipo, comunicando il niente. Allora forse lo slow- core non sarà il vostro genere, forse siete tra quelli che si addormentano al volante se un vostro amico infila nel lettore C’mon dei Low, forse vi viene l’orticaria se qualcuno nomina gli anni ’70 psichedelici (musicalmente e non solo); forse tutto questo può accadere a qualcuno tra voi, non lo nego, ma seguite il consiglio, date una chance alla vera buona musica italiana, che vuole comunicare qualcosa e che sa farlo in molti modi, senza sclerotizzarsi e adagiarsi sugli allori, con coraggio, senso del pericolo, e volontà, perché se un’idea c’è troverà comunque modo di uscire, esprimersi, arrivare a destinazione, e qui quell’idea c’è davvero, e non necessita di battage pubblicitari che conducano allo sfinimento il consumatore, scene cui tutti siamo abituati, ma solo di un misero quarto d’ora del vostro tempo. Horst Tappert EP potrà forse disorientare perfino il fan più accanito del terzetto toscano, ma se sentirete la sensazione che vi manchi il terreno sotto i piedi ricordate questa frase di Hölderlin: “laddove aumenta il pericolo, cresce anche ciò che salva”. E, mi permetto di aggiungere, sbocciano perle che per colore, ricchezza e fascino non hanno eguali in nessun altro luogo al mondo, reale e non.

Potete seguire i Ka Mate Ka Ora attraverso la loro pagina MySpace, il loro spazio WordPress e su Facebook (qui e qui); l’ep invece si scarica gratuitamente da qui. Buon ascolto!!